6 dic 2011
VIERNES 16-12-2011 20.30HS "NOCHE DE CINE MUDO MUZICALIZADO EN VIVO" EN EL CLUB SOCIAL
14 nov 2011
VIERNES 18-11-2011 20.30HS. "MACHUCA" DE ANDRÉS WOOD
Dirección: Andrés Wood.
Países: Chile y España.
Año: 2004.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Interpretación: Matías Quer (Gonzalo Infante), Ariel Mateluna (Pedro Machuca), Manuela Martelli (Silvana), Aline Küppenheim (María Luisa), Federico Luppi (Roberto Ochagavía), Ernesto Malbrán (Padre McEnroe), Tamara Acosta (Juana), Francisco Reyes (Patricio Infante), Alejandro Trejo (Willi), María Olga Matte (Miss Gilda).
Guión: Roberto Brodsky, Mamoun Hassan y Andrés Wood.
Producción: Gerardo Herrero, Mamoun Hassan y Andrés Wood.
Música: José Miguel Miranda y José Miguel Tobar.
Fotografía: Miguel J. Littín.
Montaje: Fernando Pardo.
Dirección artística: Rodrigo Bazaes.
Vestuario: Maya Mora.
MACHUCA SINOPSIS
Chile, 1973. Gonzalo Infante y Pedro Machuca son dos niños de once años que viven en Santiago, el primero en un barrio acomodado y el segundo en un humilde poblado ilegal recientemente instalado a pocas manzanas de distancia, dos mundos separados por una gran muralla invisible que algunos, en su afán por hacer realidad los sueños de una época llena de esperanzas revolucionarias, quieren derribar.
Uno de estos soñadores, el director de un colegio religioso privado, el padre McEnroe, con el apoyo de parte de los padres, integra en el elitista colegio a chicos de familias de escasos recursos procedentes del poblado, con la firme decisión de que aprendan a respetarse mutuamente.
Es así como Pedro Machuca está en la misma clase de Gonzalo Infante y entre ellos nace una amistad llena de descubrimientos y sorpresas.
Pero a las dificultades objetivas de este intento de integración se agregan las que se derivan del clima de abierto enfrentamiento social que vive la sociedad chilena...
ANDRÉS WOOD
Aunque estudió Ingeniería Comercial en la Pontificia Universidad Católica de Chile, siempre le llamó la atención el séptimo arte. Así es como luego de egresar de Economía viajó a Nueva York para estudiar dirección de fotografía (1990-1991), y realizó allí su primer cortometraje, Idilio.
De vuelta en Chile, a fines de 1992, comenzó a elaborar una serie de proyectos audiovisuales. En 1994 dirigió dos cortometrajes, uno de ellos, Reunión de familia, se convierte en la primera producción chilena en participar de la selección oficial Clermont - Ferrand, Francia, y también recibió el premio al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Viña del Mar. En forma paralela a sus proyectos audiovisuales, Wood trabajaba en la realización de comerciales para la televisión.
En 1997 comienza a gestarse lo que sería su primer gran éxito masivo. Durante ese año dirige y coescribe Historias de fútbol, su primer largometraje, que fue financiado con un aporte del Fondart, inversiones del mismo director y algunos socios, además de aportes del Fondo del Sur de Francia.
La película se divide en tres cuentos de media hora cada uno, todos relacionados con el balompié, contando las distintas realidades que se viven en ese deporte en todas las regiones del país.
En Chile, unas 600 mil personas vieron el filme y además se mostró en países de Iberoamérica, Australia, Canadá, España, Estados Unidos y Francia, con gran éxito en todos ellos. Wood recibe varias menciones en distintos festivales de cine, entre ellas las menciones de los jurados en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y del XXIII Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, en el cual competía con otras trece cintas del resto Su trabajo más conocido es su cuarto largometraje, Machuca, ambientada en los momentos del golpe militar chileno de 1973. Este filme llegó precedido de excelentes comentarios luego de su presentación en el Festival de Cannes. Relata la relación de dos niños en 1973, uno proveniente de una familia pudiente, y el otro marginal, cuyas vidas se cruzan luego que un colegio religioso pone en funcionamiento un programa de integración social.
Su estreno oficial se efectuó en el marco de la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes, en mayo de 2004, donde obtuvo una mención especial del premio François Chalais 2004, que entrega el Ministerio francés de la Cultura y el Centro Nacional de la Cinematografía de la misma nación. Desde esa fecha, se ha paseado por diversos festivales internacionales.
Además, al menos doce países adquirieron los derechos de exhibición del filme, entre ellos España, Japón, Reino Unido y Suiza.
del mundo.
21 oct 2011
VIERNES 28-10-11 20.30HS "EL ÁRBOL" DE JULIE BERTUCCELLI
Drama
Australia - Francia
100 minutos
Año: 2010
Reparto
Charlotte Gainsbourg Dawn O'Neil
Marton Csokas George Elrick
Morgana Davies Simone O'Neil
Aden Young Peter O'Neil
Director Julie Bertuccelli
Guionista Julie Bertuccelli
Judy Pascoe
Productor Yaël Fogiel
Sue Taylor
Música Grégoire Hetzel
Fotografía Nigel Bluck
Montaje François Gédigier
SINOPSIS "EL ÁRBOL"
Después de la inesperada muerte de su marido, Dawn debe hacer frente al dolor y cuidar de sus cuatro hijos. Simone, la única niña, tiene ocho años y es la que parece echar más en falta a su padre.
Simone comparte un secreto con su madre: su padre le susurra cosas a través de las hojas del magnífico árbol que se alza cerca de la casa familiar. Convencida de que su padre ha vuelto para cuidar de la familia, Simone pasa cada vez más tiempo encaramada al árbol, hablando con su padre.
Dawn también empieza a sentirse cautivada por la imponente presencia del árbol. Pero cuando Dawn empieza a intimar con George, su nuevo jefe, el vínculo entre madre e hija amenaza con romperse. Incluso parece que el árbol esté de acuerdo con Simone cuando las ramas empiezan a infiltrarse en la casa y las raíces dañan los cimientos. La niña protesta, convencida de que van a cortar su árbol, instalándose entre las ramas más altas. Pero Dawn no permitirá que el árbol controle a su familia.
JULIE BERTUCCELLI
FRANCIA 1968
Empezó trabajando en el cine como ayudante de dirección con realizadores como Krzysztof Kieslowski, Bertrand Tavernier, Otar Iosseliani, Rithy Panh y Emmanuel Finkiel. Ha dirigido varios documentales de calidad. Su primer largometraje, Depuis qu’Otar est parti, escrito y dirigido por ella, ganó varios premios, entre los que destacaremos el Gran Premio de la Semana Internacional de la Crítica de Cannes 2004 y el César a la Mejor Primera Película.
La realizadora francesa Julie Bertuccelli convierte el libro de Judy Pascoe, "Our Father Who Art in the Tree", en el film "El árbol", un drama protagonizado por Charlotte Gainsbourg, que el viernes llegará a las salas españolas. La película está centrada en el vínculo entre una madre y su pequeña hija: Dawn pierde a su marido, y debe hacer frente al dolor y al cuidado de sus cuatro hijos, entre ellos, Simone, la única niña, de ocho años; la pequeña le confiesa que su padre le susurra cosas a través de las hojas del magnífico árbol que se alza cerca de la casa familiar, Dawn comienza a sentirse cautivada por el árbol, pero cuando comienza a intimar con su nuevo jefe comienzan a quebrarse las relaciones familiares y el propio árbol. Con guión de la directora, este es el segundo largometraje de Bertuccelli tras "Depuis qu'Otar est parti... / Cartas a París / Unas dulces mentiras".
25 sept 2011
VIERNES 30-09-2011 20.30HS. "BLUE VALENTINE" DE DEREK CIANFRANCE
Título original:Blue Valentine
Duración:
114 min.
País:
EEUU
Director:
Derek Cianfrance
Guión:
Derek Cianfrance, Cami Delavigne,
Joey Curtis
Fotografía:
Andrij Parekh
Reparto:
Ryan Gosling, Michelle Williams,
Mike Vogel, John Doman, Ben Shenkman,
Liam Ferguson, Maryann Plunkett, Faith Wladyka,
Samii Ryan, Tamara Torres, Carey Westbrook, Eileen Rosen
Productora:
Hunting Lane Films / Silverwood Films
Género:
Romance
Calificación: apta para mayores de 16 años
Con las emociones siempre a flor de piel y al borde del desborde, los personajes centrales, la pareja formada por Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), transitan situaciones cotidianas que los llevan al límite de su historia juntos y al dolor de la pérdida y el fracaso del proyecto en común. Y gracias a esos saltos temporales que forman parte del desarrollo de la trama, el espectador consigue entender qué es exactamente lo que Dean y Cindy están perdiendo. Un duelo compartido que justifica con creces la suspensión de la lógica cronológica.
SINOPSIS "BLUE VALENTINE"
Dean y Cindy llevan juntos seis años, en los que ha florecido una apasionada historia de amor, han tenido una hija juntos y han decidido casarse.
Ahora su amor empieza a desmoronarse: Cindy ha perdido interés por la relación, y en un intento por juntar las piezas y reconstruir lo que habían construido juntos, Dean propone ir a pasar la noche a un hotel temático, donde eligen la “habitación del futuro”.
Desde este futuro, que Dean y Cindy difícilmente podían haber intuido años atrás, iremos conociendo la historia de esta pareja, desde cómo se conocen, a cómo un amor se va forjando, vive su apogeo y empieza a deteriorarse irremediablemente.
Una historia de personajes cuidadosamente construidos, que va desvelando a través de estampas del pasado y del presente el misterio de por qué incluso las relaciones más esperanzadoras e intensas pueden irse al traste, en un viaje emocional que hace que dos personas ya nunca vuelvan a ser las mismas.
DEREK CIANFRANCE
Derek Cianfrance comenzó a realizar películas a la edad de 13 años. Posteriormente asistió a la Universidad de Colocado donde estudio bajo la guía de leyendas cinematográficas como Stan Brakhage y Phil Solomon. Sus primeras 3 películas “Five O’clock Shadow”, “Raw Footage” y “Brother Tied” (1998) ganaron de manera consecutiva el premio Goldfarb en la categoría de mejor película En el caso de “Raw Footage” fue premiada con el premio que otorga el Canal de Cine Independiente en la categoría de película estudiantil.
Dirigió, escribió, filmó y editó su primer cinta “Brother tied” a la edad de 23. Esta película se estreno durante el Festival de Cine Sundance donde fue calificada por el crítico de The Guardian, Jonathan Rommey, como “uno de los debuts más impresionantes del cine americano independiente de los últimos años” mientras el New York Newsdays (John Anderson) lo calificaba a Derek como un “genio visual” Esta película viajó por más de 30 festivales y ganó numerosos premios internacionales.
Posteriormente Cianfrance se aventuró en el género documental enfocándose a las artes escénicas. Realizó documentales de músicos como Cassandra Wilson (Traveling Miles: Casandra Wilson, 2000), Jam Master Jay (The Last interview, 2002) y Annie Lennox (Live in Toronto). Tuvo acceso a los veteranos de Vietnam para realizar Ride for Freedom, se adentró en el misterioso mundo de la fotografía criminal en Shots in the Dark en 2001. Ganó en la categoría de mejor fotografía en el festival de Sundance del 2003 por su documental sobre la subcultura hispánica en la cinta Quattro Noza.
10 ago 2011
VIERNES 12-08-2011 20.30HS. "EN UN MUNDO MEJOR" DE SUSSANE BIER
País: Dinamarca.
Película: En un mundo mejor.
Título original: Hævnen (Venganza)
Género: Drama.
Dirección: Susanne Bier.
Guion: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y Anders Thomas Jensen.
Fotografía: Morten Søborg.
Música: Johan Söderqvist.
Vestuario: Manon Rasmussen.
Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm.
Interpretación: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), Ulrich Thomsen (Claus), Markus Rygaard (Elias), William Jøhnk Nielsen (Christian), Bodil Jorgensen (director del colegio), Elsebeth Steentoft (Signe), Martin Buch (Niels), Anette Stovebaek (Hanne), Kim Bodnia (Lars).
Producción: Sisse Graum Jørgensen.
Distribuidora: Golem.
Duración: 113 min.
Estreno en Dinamarca: 26 Agosto 2010.
La película danesa “En un mundo mejor” de Susanne Bier consiguió el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en competencia con otras excelentes películas, pero sin duda alguna por merecimientos propios. Señalo esto porque una de sus competidoras era “Biutiful” de González Iñárritu, director cuyo cine comparte soluciones formales y temáticas muy afines con los que Bier nos plantea en esta ocasión, contrastando un campamento de refugiados en África con la acomodada y supuestamente idílica sociedad danesa y estableciendo un paralelo de dilemas morales no tan lejanos entre sí, como la riqueza o pobreza material podrían darnos a entender. Todo unido por el nexo común de un médico voluntario que va y viene del tercer al primer mundo.
SINOPSIS "EN UN MUNDO MEJOR"
Anton es médico y divide su tiempo entre una pequeña ciudad idílica en Dinamarca y su trabajo en un campo de refugiados en África. En estos dos mundos tan diferentes, él y su familia se enfrentan a conflictos que les empujan a escoger entre la venganza y el perdón.
Anton y su esposa Marianne tienen dos hijos, están separados y consideran la posibilidad de divorciarse. El mayor de sus hijos, Elias, de diez años, sufre el constante bullying de unos compañeros hasta que otro chico le defiende, Christian.
La madre de Christian ha fallecido recientemente de cáncer y Christian no ha superado la pérdida.
Elias y Christian no tardan en estar muy unidos, pero Christian involucra a Elias en un peligroso acto de revancha que puede acarrear consecuencias trágicas, una situación que además de poner a prueba la amistad que los une, también pone en peligro varias vidas.
SUSSANE BIER
Susanne Bier es una directora, guionista y productora de cine danesa. Nació el 15 de abril de 1960 en Copenhague. Se dio a conocer internacionalmente con películas realizadas bajo los parámetros del movimiento fílmico Dogma 95.
Bier fue una destacada participante del movimiento dogma 95, bajo cuyos postulados realizó películas como Elsker dig for evigt (2002). Más tarde, Susanne realizó el filme Brødre (2004), donde continuaría empleando una estética cercana a la de dogma, pero sin seguir al pie de la letra todas las reglas del movimiento. En 2006, filmó Efter brylluppet (Después de la boda), producción nominada al Óscar como mejor película en lengua extranjera. En el 2007 estrenó su producción Things We Lost in the Fire.En 2010, dirigió la película Hævnen (Venganza), con la que ganó los premios Globo de Oro 2011 como mejor película en lengua no inglesa y el Óscar de 2010 como mejor película extranjera.
¿Siempre la violencia genera más violencia? Si es así, ¿tiene la indulgencia fuerza suficiente para detener el ciclo? Y si no, ¿es inevitable que una respuesta violenta contra el mal termine resultando contraproducente? Son interrogantes probablemente tan antiguos como el hombre mismo los que se formuló la cineasta danesa Susanne Bier cuando emprendió la realización de En un mundo mejor, el film con el que ganó el último Oscar a la mejor película extranjera. No se proponía encontrar respuestas, sino examinar algunas de las formas en que la violencia se manifiesta hoy en ambientes tan opuestos como una aparentemente idílica ciudad de Dinamarca y un campo de refugiados en el interior de Africa y observar tanto las diferentes reacciones que pueden adoptarse frente a ella como las limitaciones con que se choca cuando se intenta modificar tal estado de cosas aun en el plano individual.
En realidad, las preguntas iniciales fueron otras, generadas por esa visión de los países escandinavos como paraísos de civilización que suele tenerse desde el exterior: ¿somos inmunes al caos, o tambaleamos sin conciencia al borde del desorden? ¿Es nuestra propia cultura avanzada, el modelo para un mundo mejor, o el mismo desajuste está acechando debajo de la superficie de nuestra sociedad? Ni Bier ni su estrecho colaborador, el libretista Anders Thomas Jensen, están muy convencidos de que la percepción que se tiene desde lejos coincida con la verdadera realidad de su país: de su intercambio de ideas sobre el tema nació el guión de la película.
11 jul 2011
VIERNES 15-07-2011 20.30HS. "INCENDIES" DE DENIS VILLENEUVE
Incendies (idem, Canadá-Francia/2010, hablada en ingles, frances y arabe) / Dirección: Denis Villeneuve / Guión: Denis Villeneuve,
sobre la pieza teatral de Wajdi Mouawad /
Fotografía: André Turpin /
Edición: Monique Dartonne /
Música: Gregoire Hetzel /
Diseño de producción: André-Line Beauparlant /
Elenco: Lubna Azabal, Melissa Desormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman /
Distribuidora: Alfa Films /
Duración: 130 minutos /
Calificación: apta para mayores de 18 años
FILM NOMINADO AL OSCAR 2011 MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
REPRESENTANDO A CANADÁ.
Villeneuve ha hecho un admirable trabajo de adaptación. Debió encontrar una traducción visual suficientemente potente y sugestiva para reemplazar la contundencia y el lirismo de las palabras de Mouawad y contó para ello con el magnífico trabajo de la cámara, la precisión del montaje y la impresionante máscara de Lubna Azabal, cuya sensibilidad hace transparentes los mil estados extremos por los que atraviesa su personaje, del amor al odio y del martirio a la fiereza, sin ocultar tampoco sus contradicciones ni perder la coherencia a lo largo de un retrato que abarca treinta años. También son notables los desempeños de Melissa Desormeaux-Poulin y de Rémy Girard, el recordado protagonista de Las invasiones bárbaras.
SINOPSIS "INCENDIES"
Cuando el escribano Lebel (Rémy Girard) hace a los gemelos Jeanne y Simon Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette) la lectura del testamento de su madre Nawal (Lubna Azabal), se quedan atónitos al ver que les hace entrega de dos sobres, uno destinado a un padre que ellos creían muerto y el otro a un hermano cuya existencia ignoraban.
Jeanne ve en este enigmático legado la clave del silencio de Nawal, encerrada en un mutismo inexplicable en las últimas semanas antes de su muerte y decide viajar de inmediato al Próximo Oriente para exhumar el pasado de una familia de la que no sabe prácticamente nada... 
A Simon no le importan los caprichos póstumos de una madre que siempre se ha mostrado distante y poco afectuosa con ellos, pero el cariño que siente por su hermana lo impulsará a reunirse con Jeanne y recorrer con ella el país de sus antepasados siguiendo la pista de una Nawal muy lejana de la madre que han conocido.
Respaldados por el escribano Lebel, los gemelos se remontarán al comienzo de la historia de la mujer que les dio la vida y descubren un destino trágico marcado a fuego por la guerra y el odio..., y el valor de una mujer muy especial.
Adaptación de una obra de Wajdi Mouawad, INCENDIES es una conmovedora búsqueda iniciática que el horror de la guerra produce en una persona y revela con fuerza y poesía la herencia indeleble del ciclo de la violencia y el poder inaudito de la resistencia.
DENIS VILLENEUVE
Denis Villeneuve nace en Québec, Canadá en 1967; es considerado como uno de los cineastas y escritores canadiense más talentosos de su generación. Denis Villeneuve ha logrado conjuntar la opinión de crítica y público con un estilo visual único y su particular enfoque narrativo.
Fue ganador de la competencia de Radio-Canadá de cine para jóvenes: “La Course Europa-Asia” en 1990-91; ha sido premiado tres veces en los Genie Awards por la dirección de Maelström, Polytechnique e Incendies, las cuales también fueron reconocidas con el galardón a mejor película.
10 jun 2011
VIERNES 17-06-11 20.30HS "EL MILAGRO DE CANDEAL" DE FERNANDO TRUEBA
Titulo Original: El milagro de Candeal
Año: 2004
Nacionalidad: España
Director: Fernando Trueba
Reparto: Carlinhos Brown, Bebo Valdes, Graciete, Pedrinho, Caetano Veloso, Jair, Marisa Monte, Felipe de Souza, Gilberto Gil, Cézar Mendes, Mateos, Dona Angelina, Mestre pintado do bongô, Tita.
PREMIO GOYA MEJOR DOCUMENTAL Y MEJOR CANCIÓN ORIGINAL.
Esta película es un “musical social” dice su director Fernando Trueba. Es una mezcla de película y documental que cuenta como la solidaridad, la música y el trabajo de un pequeño grupo de personas puede cambiar las realidades opresoras y de marginación y crear una comunidad con vida propia donde todos sus habitantes tengan aprecio por una vida en libertad y compartida.
Fernando Trueba: "El milagro de Candeal nace de dos cosas: de la invitación de Carlinhos Brown para conocer su comunidad y de algo que Bebo Valdés me había dicho varias veces: 'El único lugar que me gustaría conocer antes de morir es Salvador de Bahía'. Estas dos cosas se unieron en mi cabeza y fueron el origen de la película".
SINOPSIS "EL MILAGRO DE CANDEAL"
Bebo Valdés, el gran pianista cubano de ochenta y cinco años, exilado en Estocolmo desde hace cuarenta, viaja hasta Salvador de Bahía (Brasil), donde las músicas y las religiones de África se han conservado de la forma más pura.
Allí encuentra a Mateus, un músico bahiano que le introduce en la vida de la comunidad afro-bahiana y le conduce al Candeal, una favela que, gracias a la iniciativa de Carlinhos Brown y al esfuerzo de sus moradores, se ha convertido en una comunidad especial.
En Candeal no hay armas ni drogas. Hay, eso sí, un conservatorio de música, un centro de salud, un estudio donde vienen a grabar artistas de todos los continentes, atraídos por los tambores de Candeal. Utilizando la música como motor para todo tipo de iniciativas, las gentes de Candeal han recuperado la autoestima y la esperanza de que la realidad puede ser transformada, de que un mundo mejor es posible.
FERNANDO TRUEBA
Nació el 18 de enero de 1955 en Madrid (España)
Biografía
Director, productor y guionista español, hermano del escritor y cineasta David Trueba.
Después de terminar sus estudios secundarios pasó por varias facultades, entre ellas Ciencias de la Información, pero no logró terminar ninguna carrera.
Trabajó como crítico de cine y rodó diversos cortos durante los años 70. Su debut como director de largometrajes se produjo con “Ópera Prima” (1980), una película protagonizada y co-escrita por Óscar Ladoire que se convirtió en uno de los primeros ejemplos de la “comedia madrileña” de la década de los 80.
Su segundo film fue el documental sobre Chicho Sanchez Ferlosio “Mientras El Cuerpo Aguante” (1982).
Durante los años 80 estrenó comedias como “Sal Gorda” (1984), de nuevo con Óscar Ladoire como protagonista y co-guionista, “Sé Infiel y No Mires Con Quién” (1985), cinta que adaptaba una obra teatral de John Roy Chapman y Ray Cooney con Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines en el reparto, y “El Año De Las Luces” (1986), cinta ambientada en los años 40 en donde Trueba colaboró con Rafael Azcona. Más tarde ambos volverían a trabajar juntos en “Belle Epoque” y “La Niña De Tus Ojos”.
Jeff Goldblum protagonizó el thriller psicológico “El Sueño Del Mono Loco” (1989), la primera película del director madrileño rodada en inglés que ganó el premio Goya al mejor director y al mejor guión adaptado.
La carrera de Fernando Trueba conoció su punto más álgido con la citada “Belle Epoque” (1992), historia con ambientación en la España de los primeros años 30 que consiguió el Oscar a la mejor película además de otros galardones, entre ellos el Goya al mejor director y mejor película.
Después de su Oscar, Trueba rodó la comedia “Two Much” (1995), película basada en una novela de Donald E. Westlake que emparejó a Antonio Banderas con Melanie Griffith, “La Niña De Tus Ojos” (1998), en donde volvió a la España de época para ganar un Goya a la mejor película, o “El Embrujo De Shanghai” (2002), adaptación de Juan Marsé con el protagonismo de Ariadna Gil.
Gran parte de su tiempo como director lo ha volcado en la filmación de diversos musicales, preferentemente musicales, como “Calle 54” (2000), “Blanco y Negro” (2003) o “El Milagro De Candeal” (2004), film que le valió un premio Goya.
En “El Baile De La Victoria” (2009) contaba en su reparto con el argentino Ricardo Darín, quien protagoniza una película que aborda una historia en el contexto del Chile posterior a la dictadura de Augusto Pinochet.
Al margen del cine, Trueba también trabajó en televisión participando en la serie “La Mujer De Tu Vida”.
Está casado con la productora Cristina Huete.
13 may 2011
SÁBADO 21-05.11 19.30HS. "EL GRAN DICTADOR" DE CHARLES CHAPLIN
Dirección, producción y guión: Charles Chaplin.País: USA.
Año: 1940.
Duración: 124 min.
Interpretación: Charles Chaplin (Adenoid Hynkel),
Jack Oakie (Napaloni), Reginald Gardiner (Schultz),
Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert (Marshal Herring),
Grace Hayle (Sra. Napaloni), Carter De Haven (Embajador de Bacteria),
Paulette Goddard (Hannah), Maurice Moscovitch (Sr. Jaeckel),
Emma Dunn (Sra. Jaeckel).
Música: Charles Chaplin y Meredith Willson.
Fotografía: Karl Struss y Roland Totheroh.
Montaje: Willard Nico.
Dirección artística: J. Russell Spencer.
Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.
SINOPSIS "EL GRAN DICTADOR"
Un barbero judío sufre la persecución de los esbirros de Hynkel, un dictador que se ha apoderado del país y ha iniciado una campaña antisemita para distraer la atención del pueblo de sus problemas económicos. En una cacería, Hynkel sufre un accidente y es confundido con el barbero..., y el barbero es tomado por Hynkel.
Un joven barbero es herido e internado en un hospital cuando luchaba en una guerra por su país. A su salida del hospital, mucho tiempo después del final de la guerra, se encuentra con un país totalmente distinto al que él había conocido. Los judíos, su religión, son discriminados, rechazados y viven en un gueto.
Unos días después de su salida del hospital, se pelea con las fuerzas de asalto y es salvado por un coronel a quién en la antigua guerra había salvado la vida.
Mientras, el dictador Hynkel se proponía conquistar el mundo libre y someterlo. Cuando ordenan al coronel que ataque el gueto judío, éste se niega y es encarcelado.
Cuando todo el ejército está listo para atacar, otro dictador llega con su ejército con el mismo objetivo que Hynkel. Hynkel lo recibe y le convence de que no ataque.
Durante todo este tiempo, el coronel escapa y se escapa en el gueto judío junto al barbero que también es buscado. Cuando van a ser apresados, logran escapar vestidos de militares. Llegan a la frontera, junto al ejército, que confunde al barbero con el dictador debido a su gran parecido. El dictador verdadero es apresado y encarcelado en un campo de concentración al ser confundido con el barbero.
El ejército conquista el pequeño país libre, pero el barbero, creído dictador, en un discurso proclama la libertad de todo su imperio y la eliminación de la ideología nazi.
CHARLES CHAPLIN
Sir Charles Spencer Chaplin, KBE (n. Londres, Inglaterra, Reino Unido 16 de abril de 1889 – m. Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977), fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.
Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).
Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses.
En sus últimas décadas, sus trabajos disminuyeron pero se lo pudo apreciar en La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York.6 Casado en cuatro ocasiones, sus hijos Geraldine, Josephine y Sydney Chaplin también se dedicaron al espectáculo. En 1972 se le otorgó el premio Óscar Honorífico y en 1975 fue nombrado Sir por la reina Isabel II. Murió en la temporada navideña de 1977.
23 abr 2011
VIERNES 29-04-11 20.30HS. "LA NANA" DE SEBASTIÁN SILVA
Dirección: Sebastián Silva. País: Chile. Año: 2009. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Catalina Saavedra (Raquel), Claudia Celedón (Pilar), Alejandro Goic (Mundo), Andrea García-Huidobro (Camila), Mariana Loyola (Lucy), Agustín Silva (Lucas), Darok Orellana (Tomás), Sebastián La Rivera (Gabriel), Anita Reeves (Sonia), Mercedes Villanueva (Mercedes). Guión: Sebastián Silva y Pedro Peirano. Producción: Gregorio González. Fotografía: Sergio Armstrong. Montaje: Danielle Fillios. Dirección artística: Pablo González. Vestuario: Francisca Aburto.
Un thriller psicosocial sobre una (o varias) nanas. No las nanas entendidas, según el lenguaje infantilizado argentino, como "pequeño dolor o lastimadura", sino nana a la chilena: mucama con cama adentro que funciona como niñera, madre sustituta o nodriza de los (en numerosas ocasiones muchos) hijos de las familias chilenas de clase altísima, alta o media alta. La nana es una película ambiciosa, con actores y sobre todo actrices conocidas, con situaciones de suspenso y acción "domésticas" especialmente tensas (La nana es una película tensa, como su protagonista), y con un personaje central que soporta sus propios conflictos y la mirada de los otros (sobre todo de la familia). Con todo esto, Silva consigue no un frío y distanciado "estudio de caracteres" sino una extraña combinación de corrosiva (y cómica) acidez con un progresivo compromiso con Raquel (Catalina Saavedra, en un papel consagratorio), La Nana, esa con mayúsculas, la irremplazable.
GANADORA DE DOS PREMIOS EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL SUNDANCE, MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTRIZ.
NOMINADA A LOS GLOBOS DE ORO 2009.
PREMIADA EN VARIOS FESTIVALES.
SINOPSIS "LA NANA"
La historia es simple, una nana. Raquel, una mujer tímida y básica que está entrando en su cuarta década de edad, ha pasado más de la mitad de su vida sirviendo en casa de los Valdés, una familia adinerada y numerosa del barrio alto santiaguino. Raquel es uno más de sus integrantes, pero de una manera que a los extranjeros les ha resultado especialmente chocante, sin embargo para nosotros es una postal tan común que hay que verla en una pantalla gigante para darnos cuenta de nuestras extrañas costumbres.
Querida, pero al mismo tiempo ignorada. La nana es un personaje con la que -quienes la han tenido- pueden haber compartido gran parte de su vida, acostumbrados a que alguien les hiciera la cama, les suirviera la comida y les dejara sobre la silla de la pieza las poleras planchadas. Sin embargo, ese personaje tan cercano es a la vez el más ajeno a la realidad que se vive en cada hogar. Poco y nada sabemos sobre lo que las nanas piensan, sienten, sus historias, sus orígenes, sus familias. A ratos podemos llegar a pensar que ella es simplemente una extensión más de la casa, una persona de que en realidad no hay que saber mucho, puesto que su rol es otro.
La Nana es una tremenda película de Sebastián Silva, cuyo guión fue co-escrito por Pedro Peirano. Magnífica actuación de la gran Catalina Saavedra, pero realmente magnífica, que hacen concluir que todos los premios que ha cosechado hasta ahora (que no son pocos, son más que merecidos).
SEBASTIÁN SILVA
Sebastián Silva ( 9 de abril de 1979;Santiago, Chile) es un director, guionista y cantante chileno. Nominado a un Globo de Oro por su película La nana.
Entre 1998 y 2000, Sebastián Silva estudia cine en la Escuela de Cine de Chile. Luego, en los dos años siguientes estudia inglés avanzado en Mc Gill University, en Montreal, Canadá. Junto con esto, desde el año 2002 realiza un curso de francés en el Instituto Cultural Francés y un Taller de animación realizado por Tomás Wells. Posteriormente en el verano de 2003 realiza un Taller de figura humana avanzada en la Universidad Católica de Chile. Por último, durante los años 2005 y 2006 asistió a Clases de historia del cine y relato cinematográfico (guión), realizadas por Pedro Peirano.
En su carrera como artista audiovisual ha sido pintor, diseñador y videísta. En materia cinematográfica, ha desarrollado la dirección y el montaje del largometraje documental REC, realizado por Diroriro Films, material que participó en festivales internacionales de documentales. En 2006, llevó a cabo su primer largometraje llamado La vida me mata, producido por Fábula, del cual fue director y guionista, trabajo que se estrenó en noviembre de 2007. Se desempeña como redactor creativo, diseñando desde afiches gráficos hasta ideas para campañas publicitarias para marcas nacionales e internacionales. Junto con esto, es el compositor y cantante del grupo CHC.
Gracias a La nana ganó el Premio Altazor como mejor director; película que además participó de la terna finalista en los Premios Oscar (2010).
18 mar 2011
VIERNES 25-03-11 20.30HS. "PATHER PANCHALI" DE SATYAJIT RAY
India, 1955, 120 min.Título original: Pather Panchali.
Director: Satyajit Ray.
Guión: Satyajit Ray de la novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay.
Productor: Gobierno de Bengala Occidental.
Música: Padit Ravi Shankar.
Fotografía: Subrata Mitra.
Montaje: Dulal Dutta.
Intérpretes: Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Subir Bannerjee, Uma Dasgupta, Runki Banerjee, Chunibala Devi, Aparna Devi.
Narra la conmovedora historia de una familia bengalí acuciada por la mala suerte. El padre, Harihara, es un sacerdote seglar, curandero, soñador y poeta. Sabajaya, la madre, trabaja para alimentar a una familia, que recibe con alegría y esperanza la llegada de un nuevo hijo, Apu. Debut del gran director indio Satyajit Ray. Supone también el primer film de "La trilogía de Apu".
Medallas de oro y de argiente del Presidente, Nueva Delhi, 1955
Medalla nacional de película para mejor película, India, 1956
Mejor documento del ser humano, Cannes, 1956
Diploma de mérito, Edinburgh, 1956
Mejor película, Vancouver, 1958
SINOPSIS "PATHER PANCHALI"
Pather Panchali es principalmente una representación de la vida en la India durante los años 1920. El foco de esta película son las vidas de Apu (nombre y apellido: Apurba Kumar Raj) y de los miembros de su familia.
La historia narra la vida de una familia pobre de brahmanes. El padre, Hariharan, es un sacerdote que no puede ganar suficiente dinero para apoyar a su familia. La madre, Sarbajaya, tiene la responsabilidad principal de criar a su traviesa hija Durga y de cuidar a su cuñada de edad avanzada llamada Indir, cuyo espíritu independiente le irrita a veces. Con la llegada de Apu, escenas de alegría y juegos enriquecen su vida diaria, de vez en cuando interrumpida por la tragedia (p. ej. la muerte de Indir). Sin embargo, la vida es una lucha, y por eso Harihar debe encontrar un nuevo trabajo y marchar. Sarbajaya está sola, estresada y tiene que luchar por la supervivencia de su familia. Además, la vida de esta familia está marcada por la turbulencia del monzón. El desastre final, la muerte de Durga, resulta la partida de la familia desde el pueblo en busca de una nueva vida en Benarés.
La película sugiere una relación íntima entre la pérdida y el desarrollo, o entre la destrucción y la creación. Otro tema de Pather Panchali será la búsqueda del progreso (p. ej. llegada del tren al pueblo, deseos de una boda feliz).
SATYAJIT RAY
Calcuta, 1921-id., 1992) Director de cine indio. Su padre, Sukumar Ray, fue una eminente figura de la escena literaria bengalí. En 1940 se licenció en ciencias económicas por la Universidad de Calcuta y entró a trabajar en la Universidad Tagore de Viswa-Bharati. Sus paralelas formación pictórica y su herencia literaria lo dotaron de una delicada sensibilidad artística reflejada en todos sus filmes, de los cuales fue no sólo director, sino también guionista y compositor de las bandas sonoras. Su obra constituye un inmenso fresco social y cultural de la India, narrado desde una perspectiva individual con fuertes influencias del movimiento neorrealista. Su primer largometraje, Pather Panchali (1952), con el cual inició su trilogía sobre la vida del joven Apu (completada posteriormente con El mundo de Apu, 1954, y Aparajito, 1957), le granjeó una inmediata notoriedad, y, a lo largo de los años sesenta y setenta, fue cimentando su creciente prestigio hasta ser considerado como uno de los más eminentes cineastas vivos. En 1981, su obra su obra fue objeto de una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y poco antes de su muerte la Academia Cinematográfica de Hollywood le concedió un Oscar especial por el conjunto de su obra.
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