10 jun 2011

VIERNES 17-06-11 20.30HS "EL MILAGRO DE CANDEAL" DE FERNANDO TRUEBA


Titulo Original: El milagro de Candeal
Año: 2004
Nacionalidad: España
Director: Fernando Trueba
Reparto: Carlinhos Brown, Bebo Valdes, Graciete, Pedrinho, Caetano Veloso, Jair, Marisa Monte, Felipe de Souza, Gilberto Gil, Cézar Mendes, Mateos, Dona Angelina, Mestre pintado do bongô, Tita.
PREMIO GOYA MEJOR DOCUMENTAL Y MEJOR CANCIÓN ORIGINAL.

Esta película es un “musical social” dice su director Fernando Trueba. Es una mezcla de película y documental que cuenta como la solidaridad, la música y el trabajo de un pequeño grupo de personas puede cambiar las realidades opresoras y de marginación y crear una comunidad con vida propia donde todos sus habitantes tengan aprecio por una vida en libertad y compartida.
Fernando Trueba: "El milagro de Candeal nace de dos cosas: de la invitación de Carlinhos Brown para conocer su comunidad y de algo que Bebo Valdés me había dicho varias veces: 'El único lugar que me gustaría conocer antes de morir es Salvador de Bahía'. Estas dos cosas se unieron en mi cabeza y fueron el origen de la película".

SINOPSIS "EL MILAGRO DE CANDEAL"


Bebo Valdés, el gran pianista cubano de ochenta y cinco años, exilado en Estocolmo desde hace cuarenta, viaja hasta Salvador de Bahía (Brasil), donde las músicas y las religiones de África se han conservado de la forma más pura.


Allí encuentra a Mateus, un músico bahiano que le introduce en la vida de la comunidad afro-bahiana y le conduce al Candeal, una favela que, gracias a la iniciativa de Carlinhos Brown y al esfuerzo de sus moradores, se ha convertido en una comunidad especial.


En Candeal no hay armas ni drogas. Hay, eso sí, un conservatorio de música, un centro de salud, un estudio donde vienen a grabar artistas de todos los continentes, atraídos por los tambores de Candeal. Utilizando la música como motor para todo tipo de iniciativas, las gentes de Candeal han recuperado la autoestima y la esperanza de que la realidad puede ser transformada, de que un mundo mejor es posible.

FERNANDO TRUEBA


Nació el 18 de enero de 1955 en Madrid (España)
Biografía
Director, productor y guionista español, hermano del escritor y cineasta David Trueba.
Después de terminar sus estudios secundarios pasó por varias facultades, entre ellas Ciencias de la Información, pero no logró terminar ninguna carrera.
Trabajó como crítico de cine y rodó diversos cortos durante los años 70. Su debut como director de largometrajes se produjo con “Ópera Prima” (1980), una película protagonizada y co-escrita por Óscar Ladoire que se convirtió en uno de los primeros ejemplos de la “comedia madrileña” de la década de los 80.
Su segundo film fue el documental sobre Chicho Sanchez Ferlosio “Mientras El Cuerpo Aguante” (1982).
Durante los años 80 estrenó comedias como “Sal Gorda” (1984), de nuevo con Óscar Ladoire como protagonista y co-guionista, “Sé Infiel y No Mires Con Quién” (1985), cinta que adaptaba una obra teatral de John Roy Chapman y Ray Cooney con Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines en el reparto, y “El Año De Las Luces” (1986), cinta ambientada en los años 40 en donde Trueba colaboró con Rafael Azcona. Más tarde ambos volverían a trabajar juntos en “Belle Epoque” y “La Niña De Tus Ojos”.
Jeff Goldblum protagonizó el thriller psicológico “El Sueño Del Mono Loco” (1989), la primera película del director madrileño rodada en inglés que ganó el premio Goya al mejor director y al mejor guión adaptado.
La carrera de Fernando Trueba conoció su punto más álgido con la citada “Belle Epoque” (1992), historia con ambientación en la España de los primeros años 30 que consiguió el Oscar a la mejor película además de otros galardones, entre ellos el Goya al mejor director y mejor película.
Después de su Oscar, Trueba rodó la comedia “Two Much” (1995), película basada en una novela de Donald E. Westlake que emparejó a Antonio Banderas con Melanie Griffith, “La Niña De Tus Ojos” (1998), en donde volvió a la España de época para ganar un Goya a la mejor película, o “El Embrujo De Shanghai” (2002), adaptación de Juan Marsé con el protagonismo de Ariadna Gil.
Gran parte de su tiempo como director lo ha volcado en la filmación de diversos musicales, preferentemente musicales, como “Calle 54” (2000), “Blanco y Negro” (2003) o “El Milagro De Candeal” (2004), film que le valió un premio Goya.
En “El Baile De La Victoria” (2009) contaba en su reparto con el argentino Ricardo Darín, quien protagoniza una película que aborda una historia en el contexto del Chile posterior a la dictadura de Augusto Pinochet.
Al margen del cine, Trueba también trabajó en televisión participando en la serie “La Mujer De Tu Vida”.
Está casado con la productora Cristina Huete.

TRAILER "EL MILAGRO DE CANDEAL"

13 may 2011

SÁBADO 21-05.11 19.30HS. "EL GRAN DICTADOR" DE CHARLES CHAPLIN

Dirección, producción y guión: Charles Chaplin.
País: USA.
Año: 1940.
Duración: 124 min.
Interpretación: Charles Chaplin (Adenoid Hynkel),
Jack Oakie (Napaloni), Reginald Gardiner (Schultz),
Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert (Marshal Herring),
Grace Hayle (Sra. Napaloni), Carter De Haven (Embajador de Bacteria),
Paulette Goddard (Hannah), Maurice Moscovitch (Sr. Jaeckel),
Emma Dunn (Sra. Jaeckel).
Música: Charles Chaplin y Meredith Willson.
Fotografía: Karl Struss y Roland Totheroh.
Montaje: Willard Nico.
Dirección artística: J. Russell Spencer.
Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

SINOPSIS "EL GRAN DICTADOR"


Un barbero judío sufre la persecución de los esbirros de Hynkel, un dictador que se ha apoderado del país y ha iniciado una campaña antisemita para distraer la atención del pueblo de sus problemas económicos. En una cacería, Hynkel sufre un accidente y es confundido con el barbero..., y el barbero es tomado por Hynkel.


Un joven barbero es herido e internado en un hospital cuando luchaba en una guerra por su país. A su salida del hospital, mucho tiempo después del final de la guerra, se encuentra con un país totalmente distinto al que él había conocido. Los judíos, su religión, son discriminados, rechazados y viven en un gueto.

Unos días después de su salida del hospital, se pelea con las fuerzas de asalto y es salvado por un coronel a quién en la antigua guerra había salvado la vida.

Mientras, el dictador Hynkel se proponía conquistar el mundo libre y someterlo. Cuando ordenan al coronel que ataque el gueto judío, éste se niega y es encarcelado.



Cuando todo el ejército está listo para atacar, otro dictador llega con su ejército con el mismo objetivo que Hynkel. Hynkel lo recibe y le convence de que no ataque.

Durante todo este tiempo, el coronel escapa y se escapa en el gueto judío junto al barbero que también es buscado. Cuando van a ser apresados, logran escapar vestidos de militares. Llegan a la frontera, junto al ejército, que confunde al barbero con el dictador debido a su gran parecido. El dictador verdadero es apresado y encarcelado en un campo de concentración al ser confundido con el barbero.

El ejército conquista el pequeño país libre, pero el barbero, creído dictador, en un discurso proclama la libertad de todo su imperio y la eliminación de la ideología nazi.

CHARLES CHAPLIN




Sir Charles Spencer Chaplin, KBE (n. Londres, Inglaterra, Reino Unido 16 de abril de 1889 – m. Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977), fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.
Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).
Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses.
En sus últimas décadas, sus trabajos disminuyeron pero se lo pudo apreciar en La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York.6 Casado en cuatro ocasiones, sus hijos Geraldine, Josephine y Sydney Chaplin también se dedicaron al espectáculo. En 1972 se le otorgó el premio Óscar Honorífico y en 1975 fue nombrado Sir por la reina Isabel II. Murió en la temporada navideña de 1977.

TRAILER "EL GRAN DICTADOR"

23 abr 2011

VIERNES 29-04-11 20.30HS. "LA NANA" DE SEBASTIÁN SILVA


Dirección: Sebastián Silva. País: Chile. Año: 2009. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Catalina Saavedra (Raquel), Claudia Celedón (Pilar), Alejandro Goic (Mundo), Andrea García-Huidobro (Camila), Mariana Loyola (Lucy), Agustín Silva (Lucas), Darok Orellana (Tomás), Sebastián La Rivera (Gabriel), Anita Reeves (Sonia), Mercedes Villanueva (Mercedes). Guión: Sebastián Silva y Pedro Peirano. Producción: Gregorio González. Fotografía: Sergio Armstrong. Montaje: Danielle Fillios. Dirección artística: Pablo González. Vestuario: Francisca Aburto.

Un thriller psicosocial sobre una (o varias) nanas. No las nanas entendidas, según el lenguaje infantilizado argentino, como "pequeño dolor o lastimadura", sino nana a la chilena: mucama con cama adentro que funciona como niñera, madre sustituta o nodriza de los (en numerosas ocasiones muchos) hijos de las familias chilenas de clase altísima, alta o media alta. La nana es una película ambiciosa, con actores y sobre todo actrices conocidas, con situaciones de suspenso y acción "domésticas" especialmente tensas (La nana es una película tensa, como su protagonista), y con un personaje central que soporta sus propios conflictos y la mirada de los otros (sobre todo de la familia). Con todo esto, Silva consigue no un frío y distanciado "estudio de caracteres" sino una extraña combinación de corrosiva (y cómica) acidez con un progresivo compromiso con Raquel (Catalina Saavedra, en un papel consagratorio), La Nana, esa con mayúsculas, la irremplazable.
GANADORA DE DOS PREMIOS EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL SUNDANCE, MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTRIZ.
NOMINADA A LOS GLOBOS DE ORO 2009.
PREMIADA EN VARIOS FESTIVALES.

SINOPSIS "LA NANA"

La historia es simple, una nana. Raquel, una mujer tímida y básica que está entrando en su cuarta década de edad, ha pasado más de la mitad de su vida sirviendo en casa de los Valdés, una familia adinerada y numerosa del barrio alto santiaguino. Raquel es uno más de sus integrantes, pero de una manera que a los extranjeros les ha resultado especialmente chocante, sin embargo para nosotros es una postal tan común que hay que verla en una pantalla gigante para darnos cuenta de nuestras extrañas costumbres.

Querida, pero al mismo tiempo ignorada. La nana es un personaje con la que -quienes la han tenido- pueden haber compartido gran parte de su vida, acostumbrados a que alguien les hiciera la cama, les suirviera la comida y les dejara sobre la silla de la pieza las poleras planchadas. Sin embargo, ese personaje tan cercano es a la vez el más ajeno a la realidad que se vive en cada hogar. Poco y nada sabemos sobre lo que las nanas piensan, sienten, sus historias, sus orígenes, sus familias. A ratos podemos llegar a pensar que ella es simplemente una extensión más de la casa, una persona de que en realidad no hay que saber mucho, puesto que su rol es otro.
La Nana es una tremenda película de Sebastián Silva, cuyo guión fue co-escrito por Pedro Peirano. Magnífica actuación de la gran Catalina Saavedra, pero realmente magnífica, que hacen concluir que todos los premios que ha cosechado hasta ahora (que no son pocos, son más que merecidos).

SEBASTIÁN SILVA


Sebastián Silva ( 9 de abril de 1979;Santiago, Chile) es un director, guionista y cantante chileno. Nominado a un Globo de Oro por su película La nana.
Entre 1998 y 2000, Sebastián Silva estudia cine en la Escuela de Cine de Chile. Luego, en los dos años siguientes estudia inglés avanzado en Mc Gill University, en Montreal, Canadá. Junto con esto, desde el año 2002 realiza un curso de francés en el Instituto Cultural Francés y un Taller de animación realizado por Tomás Wells. Posteriormente en el verano de 2003 realiza un Taller de figura humana avanzada en la Universidad Católica de Chile. Por último, durante los años 2005 y 2006 asistió a Clases de historia del cine y relato cinematográfico (guión), realizadas por Pedro Peirano.
En su carrera como artista audiovisual ha sido pintor, diseñador y videísta. En materia cinematográfica, ha desarrollado la dirección y el montaje del largometraje documental REC, realizado por Diroriro Films, material que participó en festivales internacionales de documentales. En 2006, llevó a cabo su primer largometraje llamado La vida me mata, producido por Fábula, del cual fue director y guionista, trabajo que se estrenó en noviembre de 2007. Se desempeña como redactor creativo, diseñando desde afiches gráficos hasta ideas para campañas publicitarias para marcas nacionales e internacionales. Junto con esto, es el compositor y cantante del grupo CHC.
Gracias a La nana ganó el Premio Altazor como mejor director; película que además participó de la terna finalista en los Premios Oscar (2010).

TRAILER "LA NANA"

18 mar 2011

VIERNES 25-03-11 20.30HS. "PATHER PANCHALI" DE SATYAJIT RAY

India, 1955, 120 min.
Título original: Pather Panchali.
Director: Satyajit Ray.
Guión: Satyajit Ray de la novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay.
Productor: Gobierno de Bengala Occidental.
Música: Padit Ravi Shankar.
Fotografía: Subrata Mitra.
Montaje: Dulal Dutta.
Intérpretes: Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Subir Bannerjee, Uma Dasgupta, Runki Banerjee, Chunibala Devi, Aparna Devi.

Narra la conmovedora historia de una familia bengalí acuciada por la mala suerte. El padre, Harihara, es un sacerdote seglar, curandero, soñador y poeta. Sabajaya, la madre, trabaja para alimentar a una familia, que recibe con alegría y esperanza la llegada de un nuevo hijo, Apu. Debut del gran director indio Satyajit Ray. Supone también el primer film de "La trilogía de Apu".

Medallas de oro y de argiente del Presidente, Nueva Delhi, 1955
Medalla nacional de película para mejor película, India, 1956
Mejor documento del ser humano, Cannes, 1956
Diploma de mérito, Edinburgh, 1956
Mejor película, Vancouver, 1958

SINOPSIS "PATHER PANCHALI"


Pather Panchali es principalmente una representación de la vida en la India durante los años 1920. El foco de esta película son las vidas de Apu (nombre y apellido: Apurba Kumar Raj) y de los miembros de su familia.



La historia narra la vida de una familia pobre de brahmanes. El padre, Hariharan, es un sacerdote que no puede ganar suficiente dinero para apoyar a su familia. La madre, Sarbajaya, tiene la responsabilidad principal de criar a su traviesa hija Durga y de cuidar a su cuñada de edad avanzada llamada Indir, cuyo espíritu independiente le irrita a veces. Con la llegada de Apu, escenas de alegría y juegos enriquecen su vida diaria, de vez en cuando interrumpida por la tragedia (p. ej. la muerte de Indir). Sin embargo, la vida es una lucha, y por eso Harihar debe encontrar un nuevo trabajo y marchar. Sarbajaya está sola, estresada y tiene que luchar por la supervivencia de su familia. Además, la vida de esta familia está marcada por la turbulencia del monzón. El desastre final, la muerte de Durga, resulta la partida de la familia desde el pueblo en busca de una nueva vida en Benarés.



La película sugiere una relación íntima entre la pérdida y el desarrollo, o entre la destrucción y la creación. Otro tema de Pather Panchali será la búsqueda del progreso (p. ej. llegada del tren al pueblo, deseos de una boda feliz).

SATYAJIT RAY


Calcuta, 1921-id., 1992) Director de cine indio. Su padre, Sukumar Ray, fue una eminente figura de la escena literaria bengalí. En 1940 se licenció en ciencias económicas por la Universidad de Calcuta y entró a trabajar en la Universidad Tagore de Viswa-Bharati. Sus paralelas formación pictórica y su herencia literaria lo dotaron de una delicada sensibilidad artística reflejada en todos sus filmes, de los cuales fue no sólo director, sino también guionista y compositor de las bandas sonoras. Su obra constituye un inmenso fresco social y cultural de la India, narrado desde una perspectiva individual con fuertes influencias del movimiento neorrealista. Su primer largometraje, Pather Panchali (1952), con el cual inició su trilogía sobre la vida del joven Apu (completada posteriormente con El mundo de Apu, 1954, y Aparajito, 1957), le granjeó una inmediata notoriedad, y, a lo largo de los años sesenta y setenta, fue cimentando su creciente prestigio hasta ser considerado como uno de los más eminentes cineastas vivos. En 1981, su obra su obra fue objeto de una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y poco antes de su muerte la Academia Cinematográfica de Hollywood le concedió un Oscar especial por el conjunto de su obra.

31 ene 2011

JUEVES 03-02 20.30HS "LA FAMILIA SAVAGES" DE TAMARA JENKINS


TÍTULO ORIGINAL The Savages
AÑO 2007
DURACIÓN 113 min.

PAÍS : EEUU

DIRECTOR Tamara Jenkins

GUIÓN Tamara Jenkins

MÚSICA Stephen Trask

FOTOGRAFÍA W. Mott Hupfel III

REPARTO Philip Seymour Hoffman, Laura Linney,

Philip Bosco, Peter Friedman, Gbenga Akinnagbe, Cara Seymour
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures



PREMIOS 2007: 2 nominaciones al Oscar: actriz (Laura Linney), guión original

2007: Nominación al Globo de Oro: Mejor actor de comedia o musical (Hoffman)

GÉNERO Comedia. Drama Familia. Comedia dramática. Cine independiente USA

SINOPSIS "LA FAMILIA SAVAGES"

La familia Savages es una mirada irreverente a la familia, al amor y a la moralidad tal como se ve a través del prisma de las experiencias más desconcertantes y provocativas de la vida moderna: cuando dos hermanos adultos se ven arrancados de su vida diaria, centrada en sí mismos para tener que cuidar a un padre anciano del que están alejados.

Lo último que hubieran deseado hacer los hermanos Savage es volver atrás, a su difícil historia familiar. Después de haberse liberado del dominio de su padre, ahora se encuentran firmemente anclados a unas vidas propias, bastante complicadas. Wendy (la nominada a los Oscar Laura Linney) es una autora de teatro que se esfuerza por salir adelante, una desocupada que pasa sus días solicitando becas, robando suministros de oficina y quedando con su propio vecino casado. Jon (el ganador de Oscar Philip Seymour Hoffman) es un neurótico profesor de facultad que escribe libros sobre oscuros temas en Búfalo. Luego llega la llamada que le informa de que el padre al que siempre ha temido y evitado, Lenny Savage (el ganador del premio Tony Philip Bosco), se consume lentamente a causa de los elementos y sus hijos son los únicos que pueden ayudarlo.


Ahora, mientras dejan de lado su ajetreada vida, Wendy y Jon se ven obligados a vivir juntos bajo el mismo techo por primera vez desde su infancia, redescubriendo las excentricidades que les sacaban de quicio. Enfrentados con una agitación total y luchando por la manera en que deben hacerse cargo de los últimos días de su padre, se encuentran confrontados con el significado de la vida adulta, la familia y, lo más sorprendente, lo que significan el uno para el otro.

TAMARA JENKINS


La guionista y directora Tamara Jenkins comenzó su carrera cinematográfica escribiendo y dirigiendo varios cortos ganadores de premios como FAMILY REMAINS que obtuvo un Premio Especial del Jurado a la Excelencia en la Realización de Cortos en el Festival de Cine de Sundance de 1994.


Además de sus obras cinematográficas, las obras literarias de Jenkins han sido publicadas en Zoetrope: All-Story, Tin House Magazine, y más recientemente su ensayo "Holy Innocents", aparecida en el libro de Lisa Yuskavage: Small Paintings 1993-2004 publicado por Abrams. También ha dirigido obras de teatro en el The New Group, ha trabajado con adolescentes creando una película de educación sexual para la organización sin ánimo de lucro Scenario, y ha dirigido una serie de anuncios de servicio público para Amnistía Internacional

TRAILER "LA FAMILIA SAVAGES"

25 ene 2011

JUEVES 27-01 20.30HS. "BILLY ELLIOT"


Dirección: Stephen Daldry
Guión: Lee Hall
Producción: Greg Brenman y Jonathan Finn
Duración: 110m.
Países: Gran Bretaña
Año de producción: 2000
Reparto: Julie Walters, Jamie Bell, Jamie Draven, Gary Lewis, Jean Heywood, Stuart Wells, Mike Elliot, Janine Birkett, Nicola Blackwell




PREMIOS: 2000: 3 Nominaciones al Oscar: director, actriz de reparto (Julie Walters), guión original
2000: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor película - drama, actriz secundaria
2000: 3 premios BAFTA: Alexander Korda, actor, actriz. 13 nominaciones
2000: Nominada al Goya: Mejor película europea
2000: Nominada al César: Mejor película extranjera
2000: Nominada al David de Donatello: Mejor película extranjera
2000: National Board of Review: Mejor actor revelación (Jamie Bell)

SINOPSIS "BILLY ELLIOT"

En 1984, durante una huelga de mineros en el condado de Durham, los enfrentamientos entre piquetes y policía están a la orden del día. Entre los que protestan con más vehemencia se encuentran Tony y su padre. Este último se ha empeñado en que otro hijo suyo más pequeño, Billy, reciba clases de boxeo.


El chico tiene un buen juego de piernas, pero carece por completo de pegada. Un día, en el gimnasio, Billy se fija en una clase de danza que está impartiendo la señora Wilkinson, una mujer de carácter severo. Invitado a participar por la hija de la profesora, Billy se interesa por esa actividad.


Cuando su padre se entera de que practica una disciplina tan poco viril, le obliga a abandonar las clases. pero la señora Wilkinson, que ha visto en el muchacho un talento innato para el ballet, se ofrece a darle clases gratuitas para que se prepare para las audiciones que realizará en la ciudad la Royal Ballet School.

STEPHEN DALDRY


Daldry comenzó su carrera en el crisol de Sheffield con el director artístico de Clare Venables donde dirigió numerosas producciones. También dirigió varias producciones en el Teatro Manchester Library, el Liverpool Playhouse, Oriente Stratford, escenario de Oxford, Brighton y el Festival Fringe de Edimburgo. También fue director artístico del Teatro de la Corte Real 1992 a 8, donde dirigió el desarrollo de millones de esquema de 26 £. También fue director artístico del Gate Theatre, de Londres (1989-92) y la Compañía de Teatro Metro (desde 1984 hasta 6). Actualmente se encuentra en el Consejo de los Jóvenes y el teatro Old Vic y sigue siendo un director asociado del Royal Court Theatre. Fue el Cameron Mackintosh Profesor Visitante de Teatro Contemporáneo de 2002 en la Universidad del St Catherine , de Oxford . Ganó premios en Broadway y el West End.
Daldry hizo su debut como director de cine en 2000 con Billy Elliot . Su siguiente película fue The Hours , y ganó como Mejor Actriz en los Premios de la Academia de Nicole Kidman . Recientemente, dirigió un musical adaptación teatral de Billy Elliot , y en 2009 su trabajo en Billy Elliot, el musical le valió un premio Tony como Mejor Directora de un Musical. También ha realizado una versión cinematográfica de The Reader , basada en el libro del mismo nombre y protagonizada por Kate Winslet , David Kross y Ralph Fiennes . Una vez más, ganó como Mejor Actriz en los Premios de la Academia por Kate Winslet. Ha recibido tres nominaciones a los premios de la Academia por la dirección de los tres de sus películas.

TRAILER "BILLY ELLIOT"

16 ene 2011

JUEVES 20-01-11 20.30HS "EL GRAN PEZ" DE TIM BURTON

Dirección: Tim Burton.
País: USA.
Año: 2003.
Duración: 125 min.
Interpretación: Ewan McGregor (Edward Bloom joven), Albert Finney (Edward Bloom mayor), Billy Crudup (William Bloom), Jessica Lange (Sandra Bloom), Helena Bonham Carter (Jenny/Bruja), Alison Lohman (Sandra joven), Robert Guillaume (Doctor Bennett), Marion Cotillard (Josephine), Matthew McGrory (Karl), Danny DeVito (Amos), Steve Buscemi (Norther Winslow).
Guión: John August; basado en la novela de Daniel Wallace.
Producción: Richard D. Zanuck, Bruce Cohen y Dan Jinks.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Chris Lebenzon.
Diseño de producción: Dennis Gassner.
Dirección artística: Jack Johnson y Richard L. Johnson.
Vestuario: Colleen Atwood.
PREMIOS 2003: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original
2003: 4 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor película comedia o musical
2003: 7 nominaciones BAFTA, incluyendo mejores efectos visuales, película, maquillaje
2003: Nominada al David de Donatello: Mejor película extranjera
Está basada en la novela Big Fish: A Novel of Mythic Proportions de Daniel Wallace

"SINOPSIS "EL GRAN PEZ"

La increíble visión de Tim Burton demuestra que no está acotada a historias tenebrosas, relatos
fantásticos o héroes del cómic. El gran pez es la excusa perfecta para contar una historia sumamente querible, entrañable y simple bajo el manto de su maravilloso mundo de personajes fascinantes y escenarios de locura.

El relato nos lleva a la universal relación de padre e hijo que se reencuentran luego de estar distanciados varios años. La enfermedad del padre (Albert Finney) hace que su hijo (Billy
Cudrup) regrese a su hogar para quizá pasar los últimos días juntos. Este encuentro sirve como excusa perfecta que tiene el hijo, ante un posible y fatal desenlace, de poder cicatrizar las heridas que lo llevó a no querer ver más a su progenitor.
Y es allí cuando nos enteramos el motivo de su enojo: todos los hechos de la vida de su padre le fueron transmitidos con detalles inverosímiles (un hombre gigante, cantantes siamesas y pueblos perdidos entre otros delirios).
Ahí nos adentraremos en flash backs donde Ewan McGregor personificará la etapa de la juventud del padre. Mientras que su hijo iniciará la búsqueda de la verdadera identidad del padre que es también la de su propia vida.
La suprema destreza visual de Tim Burton como siempre descollando en la dirección de arte se
apoya en un guión claro y de una narrativa placentera donde los tiempos y los sucesos se alternan en forma tan clara que la duración del film podría duplicarse sin perder efectividad ni interés alguno en cada relato que el padre hace de su vida.

Al abordar los personajes el increíble reparto es ubicado con exactitud y precisión llevando la historia por las aristas correctas. Veremos a Steve Buscemi como un poeta perdido, Jessica Lange como la amada esposa del padre, Danny De Vito como el dueño de un circo muy freak y Helena Bonham Carter en dos papeles muy importantes. Pero de todos quienes deja su huella es el genial Albert Finney como Ed Bloom; cada aparición de viejo bonachón nos transporta con su voz cálida y sus detalles increíbles a un placentero viaje por su vida.
El tiempo pasado es el refugio ideal para los buenos viejos tiempos. La búsqueda de la verdad detrás del gran pez es más que nada como uno quiere recordar su vida. La identidad de todas las cosas que no hacen quienes somos. ¿A veces uno no quiere seguir creyendo en Papá Noel?

TIM BURTON


Timothy "Tim" William Burton, (Burbank, California; 25 de agosto de 1958) es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Edward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental Helena Bonham Carter.Sus últimas películas han sido Sweeney Todd (2007), con la que obtuvo el Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical; 9, que se estrenó el 9 de septiembre de 2009 en Estados Unidos, y Alicia en el país de las maravillas, que se estrenó el 3 de marzo de 2010 en Egipto, Italia y Suecia.2El 15 de marzo de 2010 Tim recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.
El cine surrealista y oscuro, que ha inspirado a Tim Burton, pero también a Terry Gilliam y a los Hermanos Quay (Timothy Quay y Stephen Quay), está inspirado en el director de animación checo Jan Svankmajer. Las características físicas de los protagonistas son extremas: muy altos, muy cortos, muy esbeltos y muy gordos son algunas de las más notorias.Casi todos sus personajes se caracterizan por tener enormes ojeras como si no hubieran dormido en días (por ejemplo, Edward Scissorhands, Sweeney Todd, Katrina Van Tassel, etc.). A esto el director le suele llamar "estilo de cine mudo".Incorporación de personajes siniestros y autodidactas.Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para sus personajes principales.La gama de color en sus películas son de dos tipos: siniestra, usando colores negros, índigos, verdes, rojos y grises (Edward Scissorhands, Batman) y fantástica, usando tonos pasteles y blancos contrastados con colores primarios (Charlie y la fábrica de chocolate, Mars Attacks!)Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W. Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones de Edward Gorey son otras influencias, mientras que el motivo de cadáveres de Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra.A muchos de sus personajes se les da un trasfondo concerniente a sus relaciones con sus padres, a veces como medios de explicar su comportamiento errático. Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish y Edward Scissorhands son ejemplos prominentes.Frecuentemente incluye perros muertos (pues son sus animales favoritos y para él la amistad entre hombre y perro adquiere un carácter simbólico), payasos, mosaicos a cuadros blancos y negros, árboles torcidos, linternas de calabaza, espantapájaros, serpientes a rayas, edificios típicos de películas de terror y mariposas.Sus películas tienen subtextos góticos.Personaliza el logo de la productora al principio de sus películas.Su larga colaboración con Danny Elfman, quien ha musicalizado gran parte de sus películas desde La gran aventura de Pee-Wee. Excepto Ed Wood, la cual musicalizó Howard Shore, y Sweeney Todd compuesto por Stephen Sondheim, también autor de la música y canciones del espectáculo original de Broadway.Sus personajes principales tienden a ser parias sociales, y son usualmente tímidos, con una complexión pálida y alocado cabello negro, similar al suyo. Suelen ser altos y estilizados, de extremidades finas y alargadas. Los ojos de sus personajes suelen ser muy expresivos y otro rasgo típico es el de tener la boca pequeña.Los créditos de entrada usualmente son en travelling. También tienden a ir sobre, a través o dentro de algún tipo de efecto visual.

TRAILER "EL GRAN PEZ"

11 ene 2011

JUEVES 13-01-2011 20HS. "SECRETOS Y MENTIRAS" DE MIKE LEIGH




Título: Secretos y mentiras

Título original: Secrets & lies

Dirección: Mike Leigh

País: Francia, El Reino Unido

Año: 1996

Duración: 136 min.

Género: Drama, Comedia

Reparto: Timothy Spall, Phyllis Logan, Brenda Blethyn, Claire Rushbrook, Marianne Jean-Baptiste, Elizabeth Berrington, Michele Austin, Lee Ross, Lesley Manville, Ron Cook
PREMIOS 1996: 5 Nominaciones al Oscar: Película, actriz, actriz secundaria, director, guión original
1996: Globo de Oro: Mejor actriz drama (Brenda Blethyn). 3 nominaciones
1996: 3 premios BAFTA, incluyendo guión, actriz (Brenda Blethyn). 7 nominaciones
1996: Goya: Mejor película europea
1996: 3 premios en Cannes: Palma de oro, actriz (Brenda Blethyn), Jurado Ecuménico
1996: Nominada al César: Mejor película extranjera

SINOPSIS "SECRETOS Y MENTIRAS"



En aras a descubrir la identidad de su madre biológica, Hortense (Marianne Jean-Baptiste), una mujer de raza negra de unos veinte años que vive en un suburbio de Londres y que acaba de perder a sus padres adoptivos, se persona en el registro civil y emprende algunas investigaciones por su cuenta.
Fruto de esta labor, Hortense averigüa que su madre biológica es de raza blanca. A pesar de su desconcierto inicial, Hortense toma la decisión de citarse con su progenitora, una mujer llamada Cynthia (Brenda Blethyn) que atraviesa en los últimos años por una complicada situación familiar.
Sin mayor apoyo que el que la prestan sus amigas, Cynthia trata de sacar adelante su propia vida y la de su hija Roxanne (Claire Rushbrook), cuyos mínimos ingresos se lo procura su empleo como barrendera municipal.
Asimismo, Cynthia mantiene un distanciamiento con su hermano menor Maurice (Timothy Spall), fotógrafo de profesión, de quien había cuidado de pequeño al faltar sus padres, pero que en la actualidad apenas se hablan. Ante este panorama escasamente gratificante, Cynthia progresivamente hallará una válvula de escape en la relación que se procura con su otra hija, Hortense, que pasará de la incredulidad a la comprensión y el cariño del que tan faltos se encuentran ambas.

MIKE LEIGH

Leigh nació en Broughton, Salford, Lancashire en el seno de una familia judía inmigrante. De hecho, su apellido original era Lieberman pero se cambió antes del nacimiento de Leigh. Su padre el doctor Alfred Abraham Lieberman trabajaba como médico en la zona trabajadora de Salford, cerca de Manchester. pasó por la Royal Academic of Dramatic Art, la Camberwell School of Art, en la Central School of Art and Design y la London International Film School Leigh antes de debutar a finales de los años 60 como director, representando dramas y comedias sociales tanto en el teatro como en la televisión. En los capítulos hechos para televisión, elegía a su actriz fetiche Alison Steadman (con la que se casaría en 1973) y solía escoger prototipos de la clase obrera londinense. Después de la experiencia televisiva, Leigh debuta en la gran pantalla con Bleak Moments (1972). Ya desde sus inicios dejó claro cuál iba a ser el estilo Mike Leigh: lectura social y urbana y centrando el argumento en los problemas habituales de la clase media británica.En principio, Leigh no sería entendido y, después del fracaso de su primer film, Leigh tuvo que volver a realizar telefilms como Hard Labour (1973), Nuts in may (1976), Abigail’s Party (1977), Meantime (1984) o Four days in July (1985). Siempre con el sello característico de Leigh: la sátira e ironía sobre el día a día del trabajador británico en plena época de Margaret Thatcher.No sería hasta la segunda mitad de la década de los 80 cuando Leigh volvería a probar suerte con el cine. Sería con Grandes ambiciones (1986), una sátira por la que Mike Leigh fue premiado en el Festival de Venecia.La década de los 90 ofrecería al público mundial conocer la figura de Mike Leigh. La vida es dulce (1990), Indefenso (1993), marcaron ese estilo. Precisamente con este último film se ve al Leigh másd sarcástico y absurdo. Por Indefenso el director consiguió el premio al mejor director y David Thewlis el de mejor actor en Festival de Cannes.Pero sería con Secretos y mentiras (1996) por el que confirmarían al autor inglés como uno de los mejores cineastas de su país. De hecho, Secretos y mentiras fue una de las grandes irrupciones en la nominación de los Oscar al conseguir cinco nominaciones, entre ellos la de mejor película. Aparte de esto, la película consiguió también la Palma de Oro en Cannes, y el premio como mejor actriz para Brenda Blethyn.

TRAILER "SECRETOS Y MENTIRAS"

15 dic 2010

DOMINGO 19-12-2010 20HS. "LOS OLVIDADOS" DE LUIS BUÑUEL

DIRECCIÓN: Luis Buñuel
Año: 1950
País: México
Producción: Oscar Dancigers - Jaime Menasce - Ultramar films
Guión: Luis Buñuel. Luis Alcoriza
Fotografía: Gabriel Figueroa
Edición: Carlos Savage
Duración: 80'
Escenografía: Edward Fitzgerald
ELENCO:
Estela Inda
Miguel Inclan
Alfonso Mejía
Roberto Cobo
Los Olvidados obtuvo en en 1951 premio a la mejor película en el festival internacional de cine de Cannes, Francia. Arieles otorgados en 1951 a la mejor película, a la dirección, a la co-actuación femenina (Stella Inda), a la actuación infantil (Alfonso Mejía), a la actuación juvenil (Roberto Cobo), a la fotografía, a la adaptación, al argumento original, a la edición, a la escenografía y al sonido (José B. Carles).

Los olvidados es una desértica mirada sobre el mundo que vive una juventud desposeída, cuyas únicas alternativas son la delincuencia y la marginación. Historia que si bien fue contada por Buñuel en 1950, hoy más que nunca continúa teniendo vigencia.
Los olvidados es, por su temática y por la naturalidad de sus actores, una película engañosamente realista. Filmada durante el apogeo de la corriente neorrealista —que propugnaba por un cine casi documental en el que los actores fuesen gente común y los escenarios fueran reales— Los olvidados fue tomada equivocadamente como una cinta semejante a Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini o Ladrones de bicicletas (1947) de Vittorio de Sica. Sin embargo, el filme de Buñuel mantiene muchos de los elementos que lo convirtieron en el cineasta surrealista por excelencia. Los olvidados es un filme acerca de la fatalidad del destino. Es una película sobre lo absurdo e irracional de la vida misma. Los deseos ocultos, los sueños y las pasiones son los elementos que mantienen vivos a los personajes del filme.
La cinta de Buñuel es, por otra parte, una de las aportaciones más importantes que ha dado Latinoamérica al cine mundial. Si el cine es considerado un arte, mucho se debe a la obra de genios como Luis Buñuel y a filmes como Los olvidados.

SINOPSIS "LOS OLVIDADOS"

En toda gran urbe confluye la opulencia y la miseria, los grandes edificios de aspecto vertical y los arrabales de casas derruidas, los coches lujosos y los carromatos destartalados, la vida y la muerte, la supervivencia y el derroche; todo ello producto de una sociedad llena de desigualdades que se devora a sí misma mientras olvida en vertederos apartados a sus propios hijos, víctimas y verdugos de una desidia conductual y educativa derivada de los problemas inherentes al ambiente que los rodean.
La historia gira en torno a dos adolescentes corrompidos por el medio en que viven.
El Jaibo, un adolescente, escapa de la correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el Jaibo mata en presencia de Pedro al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran a la correccional. A partir de este incidente, los destinos de Pedro y de el Jaibo estarán trágicamente unidos.
Luis Buñuel, en un intento de cruda denuncia social dibuja junto a Luis Alcoriza unas situaciones difíciles, conflictivas y hasta crueles enclavadas en los suburbios de la ciudad de México y protagonizadas por un conjunto de personajes marginales, niños delincuentes que no conocen padre ni madre y si los conocen como si no los conociesen, empujados a realizar toda una serie de actos vandálicos y punibles por un Estado que sólo actúa de una manera represora y poco instructiva. La capacidad vengativa e impía con su alrededor de su líder Jaibo, es un claro ejemplo de un comportamiento arrastrado por una espiral de violencia y atrocidad que sólo conllevará dolor y frustración personal. Pero Buñuel se apega a la historia describiendo con cariño a sus personajes, en especial a Pedro, un niño de buen corazón, incomprendido por su madre e inmerso en el consubstancial y casi natural clima de criminalidad que lo acordona, un clima que agita toda su rabia interna cuando arroja bruscamente un huevo de gallina (recurso típicamente buñueliano) hacia la cámara como si despojase su ira contra toda la comunidad que lo está contemplando.
La figura de un músico ambulante ciego añorante de los tiempos de Porfirio Díaz simboliza a los gobiernos, que ciegos ante lo que sucede en su territorio y más concretamente a las clases menos favorecidas, añoran la facilidad inane de un exterminio físico en vez de la construcción de un sistema más justo e igualitario que desarrolle una paz social y una convivencia mucho más humana.


LUIS BUÑUEL

Luis Buñuel se licenció en Filosofía y Letras, siendo su sueño dedicarse a la poesía. Fue amigo de, nada menos, Federico García Lorca y Salvador Dalí. Con la colaboración de éste último realizó sus dos primeras películas. Creó unos 30 film, trabajando siempre con escaso presupuesto y pocos medios materiales, por lo que se convirtió en un alquimista del séptimo arte.
Para el séptimo arte lo mejor
Nació el 22 de febrero de 1900 en Calanda (Aragón). Su padre era Leopoldo, que se dedicaba al negocio de la ferretería -con el cual logró hacerse de una importante fortuna- y su madre María Portolés. Este matrimonio tuvo siete hijos siendo Luis el primogénito.

En 1917, se fue a Madrid donde empezó sus estudios universitarios. En 1924 se licenció en Filosofía y Letras, siendo su sueño dedicarse a la poesía. Sus amigos en la Residencia de Estudiantes eran nada menos que Federico García Lorca y Salvador Dalí, dos personas que lograron ser grandes artistas, uno escritor y el otro pintor.

Se mudó a París en 1925, la cuna del movimiento surrealista (en el cual militó Buñuel), y allí trabajó como ayudante de dirección de Epstein. Con la colaboración de Salvador Dalí realizó sus dos primeras películas: "Un Perro Andaluz" (1928) y "La edad de oro" (1930). Ambas provocaron un gran escándalo en la sociedad del momento, hasta el punto que la segunda fue catalogada de blasfema y prohibida por el prefecto de policía de París. En esta ciudad conoció a su mujer, la gimnasta Jeanne Rucar con la que vivió toda su vida.

Al regresar a España dirigió un documental: "Las Hurdes, Tierra sin Pan", y se dedicó a la producción. Al estallar la guerra civil viajó a París y a Estados Unidos, donde intentó trabajar en Hollywood, sin embargo fue rechazado. Pero fue en México donde reapareció la bendita oportunidad de dirigir de nuevo. Y allí, con 46 años, comenzó a realizar películas de manera estable. El prestigio de sus obras le otorgó reconocimiento mundial y volvió a España en 1960 para el rodaje de "Viridiana". A partir de entonces los viajes a este país y a Francia fueron constantes. Sus últimas películas, las más conocidas, las llevó a cabo en este último país.

A lo largo de su carrera artística en el mundo del cine (1928-1977) Buñuel filmó unas 30 películas. Vale destacar que trabajó siempre con escaso presupuesto y pocos medios materiales, por lo que se convirtió en un alquimista del séptimo arte.

Sus obras de arte se han vinculado a la tradición cultural española, en donde expuso de forma sistemática sus inquietudes vitales e ideológicas, en un estilo narrativo tanto realista como surrealista. De igual forma, siempre fueron impregnadas de su humor amargo y su crítica a la religión, el poder y la burguesía. Con respecto al surrealismo, a Buñuel le atraía precisamente por lo intuitivo, por la renuncia de la razón.

Entre sus películas cabe destacar: "Los Olvidados" (México), "Nazarín" (México 1958) -sobre una novela de Pérez Galdós-, "Viridiana", "El ángel exterminador" (México 1962), "Simeón del desierto" (1965), "Bella de día" (Francia-Italia 1966), "La vía láctea" (1968), "Tristana" (1970) "El discreto encanto de la burguesía" (Francia-España-Italia 1972) y "El fantasma de la libertad" (1974).

TRAILER "LOS OLVIDADOS"

14 oct 2010

VIERNES 05-11 20.30HS. CINE CUBANO "LA MUERTE DE UN BUROCRATA"


Muerte de un burócrata (1966) es una película del género de comedia del director de cine cubano Tomás Gutiérrez Alea. Es una sátira de la burocracia cubana de la época posterior a la revolución, y de lo enrevesado que puede llegar a ser conseguir cosas aparentemente sencillas.
DIRECCIÓN: TOMÁS GUTIÉRREZ ALEA
GUIÓN: TOMÁS GUTIÉRREZ ALEA - ALFREDO DEL CUETO
AÑO: 1966
DURACIÓN: 85 MIN.
PRODUCTOR: ICAIC

SINOPSIS "LA MUERTE DE UN BUROCRATA"




Francisco J. Pérez, El Tío Paco , trabajador ejemplar de una fábrica de bustos en serie del héroe de la revolución José Martí, cae por accidente dentro de la máquina que él mismo ha inventado y maneja, que lo despedaza y devuelve convertido en el busto que servirá para su propia tumba. Sus compañeros deciden en asamblea relámpago rendirle el mejor homenaje, consistente en enterrarlo con su carnet laboral, símbolo de su condición obrera. Cuando su viuda, acompañada de su sobrino, va a reclamar la pensión a la que tiene derecho, el funcionario de turno le pide el carnet laboral. A partir de ese momento la película encadena una serie de situaciones cada cual mas enloquecida en las diferentes oficinas que recorre el sobrino para lograr la exhumación del cadáver y recuperación de la tarjeta, con personajes propios de una comedia negra. Cuando el sobrino, con nocturnidad, trata de recuperar el carnet abriendo la tumba, acaba llevándose al tío a casa, donde es conservado con cubos de hielo, mientras trata inútilmente de enterrarlo de nuevo, pues como dice el encargado del cementerio consultando el libro de registro mientras no conste que ha sido exhumado no se le puede volver a enterrar. El sobrino trata entonces de conseguir una orden de exhumación, que tampoco le sirve de nada y acaba disparatado con tanto trámite imposible, estrangulando al administrador del cementerio, y siendo atrapado por unos loqueros. La película finaliza mientras el cortejo fúnebre del burócrata le conduce a su propio cementerio.

Es una sátira de la burocracia cubana de la época posterior a la revolución, y de lo enrevesado que puede llegar a ser conseguir cosas aparentemente sencillas.

TOMÁS GUTIÉRREZ ALEA


Tomás Gutiérrez Alea (11 de diciembre de 1928 – 16 de abril de 1996) fue un influyente cineasta cubano. Escribió y dirigió más de 20 largometrajes, documentales y cortos, conocidos por su influencia en la Cuba post-Revolucionaria, y su delicado equilibrio entre la dedicación a la Revolución y la crítica sobre la situación social, económica y política del país.

El trabajo de Gutiérrez Alea es representativo de un movimiento ocurrido en la década de 1960-1970 conocido colectivamente como Nuevo Cine Latinoamericano. Este movimiento colectivo, también denominado Cine Libre o Cine Imperfecto, estaba profundamente preocupado por los problemas derivados del neocolonialismo y la identidad cultural. El movimiento rechazaba la perfección comercial del estilo de Hollywood, y el cine de autor europeo, proponiendo un cine creado como herramienta para el cambio social y político. El movimiento tenía la dificultad de carecer de recursos, por lo que la estética pasaba a un papel secundario subordinado a la función social del Cine. La meta principal del movimiento era crear unas películas en las que el espectador fuera un participante activo, un integrante de la trama de la película. Los espectadores eran interpelados desde un análisis de un problema actual dentro de la sociedad que en la época no tenía ninguna solución clara, esperando hacer a los espectadores conocedores del problema y salir del teatro queriendo ser actor del cambio social.

TRAILER "LA MUERTE DE UN BUROCRATA"

CONTEXTO CUBANO

La Revolución Cubana es el movimiento revolucionario que comenzó con la insurgencia que se opuso a la dictadura de Fulgencio Batista. Actualmente también se asocia al período histórico tras su triunfo el 1 de enero de 1959, por varias fuerzas insurgentes, entre las que predominaba ampliamente el Ejército Rebelde, brazo armado del Movimiento 26 de Julio comandado por Fidel Castro.

CINE POST-REVOLUCIÓN

En los primeros días de 1959, el gobierno de Fidel Castro creó un departamento cinematográfico dentro de la Dirección de Cultura del Ejército Rebelde, la cual produjo documental como "Esta tierra nuestra" de Tomás Gutiérrez Alea, y "La Vivienda" de Julio García Espinosa. Éste departamento fue el antecesor de lo que se convertiría en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos), fundado en marzo de 1959, como resultado de la primera ley de cultura.

7 sept 2010

VIERNES 24-09 20.30HS. NEORREALISMO ITALIANO "ROMA CIUDAD ABIERTA"


Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) es una película italiana dirigida por Roberto Rossellini en el año 1945.
Es considerada la película manifiesto del neorrealismo italiano.
La película se sitúa en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi del año 1944.
La película se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis por ayudar a la resistencia.
GUIÓN: Federico Fellini, Sergio Amidei, Roberto Rossellini (Historia: Sergio Amidei & Alberto Consiglio.
REPARTO: Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere
DURACIÓN: 100 MIN.
PREMIOS: 1946 NOMINADA AL OSCAR, MEJOR GUIÓN.
1946 FESTIVAL DE CANNES GRAN PREMIO.

SINOPSIS "ROMA CIUDAD ABIERTA"


En la Roma de 1943 - 1944, se entretejen las historias de varias personas relacionadas con la resistencia antinazi. Durante la ocupación, el padre Pietro protege a los partisanos y, entre otros, da asilo a un ingeniero comunista: Manfredi. Pina, una mujer de pueblo, está de novia con un tipógrafo que lucha en la resistencia. Cuando la policía lo arresta, Pina corre desesperadamente tras el camión que se lo lleva, pero cae asesinada por una ráfaga de ametralladora ante los ojos de su hijito. Poco después, también el padre Pietro y el ingeniero -éste traicionado por su ex amante drogadicta- son arrestados. Manfredi muere por las atroces torturas que le infligen los alemanes para que revele el nombre de sus compañeros de resistencia. El padre Pietro corre la misma suerte: lo fusilan en presencia de los niños de la parroquia, entre los cuales se encuentra el hijo huérfano de Pina.

TRAILER "ROMA CIUDAD ABIERTA"

CONTEXTO



Desde luego, parece difícil que en un país devastado por la guerra como era Italia en 1945 pudiera surgir un arte tan necesitado de grandes recursos como el cine. Pero allí, en esas circunstancias, surgió el que quizá sea el movimiento cinematográfico más importante e influyente de la historia del cine, el Neorrealismo. Y quizá el que mejor ha sobrevivido como movimiento general, independientemente de la calidad de sus piezas, en el sentido de que las obras hechas en ese movimiento y en esos años siguen aún vigentes, y muchos directores en la actualidad se inspiran en dichas películas (lo cual no se puede decir de la Nouvelle Vage o del Free Cinema, que dando algunas películas gloriosas en conjunto han envejecido peor).
La película que proporcionó las bases y dio el impulso al neorrealismo fue sin duda Roma, ciudad abierta, y me atrevería a decir que en concreto un personaje: Pina, interpretada por Anna Magnani. Es cierto que ya se habían hecho algunas películas en este contexto por parte de Blassetti (Sole, 1928) o Visconti (Obssessione, 1943) en Italia, o Ford (Las uvas de la ira/The Grapoes of Wrath, 1940 con Tom Joad-Henry Fonda) en USA, pero en este personaje podemos ver reflejado el espíritu de todos los que vinieron después, desde el ladrón de bicicletas o el pescador de La terra trema (1948) hasta el Joe de Ken Loach. Es la actitud ante la vida de esta mujer, su lucha, su casa, sus ambiciones y su solidaridad lo que ha pervivido como ejemplo y modelo en el cine, con una profundidad y humanidad que desde entonces ha inspirado a muchos otros personajes (a sus creadores, debería decir) y, desde luego, a nosotros como espectadores.
La película describe la situación de Roma en los últimos años de la ocupación alemana. Fue rodada nada más terminar la guerra en los decorados naturales de la devastada ciudad, con mayoría de actores no profesionales (otra constante de Neorrealismo) excepto Anna Magnani y Aldo Fabrizi. Los medios técnicos son escasísimos, lo que se ve en una fotografía que no puede hacer otra cosa que sacar el mejor partido a la luz natural, y poco más, aunque los decorados y las interpretaciones son soberbios por ser tan naturales. Escrita por el propio Rosellini, además de Fellini y Sergio Amidei sobre un argumento de este último, va dando saltos entre el documental y la ficción, aunque varios de los sucesos (la resistencia de los niños Romanos o el fusilamiento del cura) están basados en sucesos reales, y el ambiente de las calles está recogido sin planificación (en general).